Dans cette anthologie publiée à l’occasion du 19^e Printemps des Poètes (édition 2017) sous la direction de Bruno Doucey, Nimrod et Christian Poslaniec, le lecteur est invité à voyager à travers les multiples territoires de la poésie africaine. Comme le rappelle l’éditeur Bruno Doucey dans sa préface, l’Afrique est « une mosaïque de civilisations où s’entremêlent ethnies, langues, cultures, religions, arts, coutumes –, et qui varient prodigieusement d’une époque à l’autre » (p. 8). L’ouvrage reproduit la forme de cette mosaïque et le sens de sa variation en douze chapitres qui correspondent à autant de familles poétiques ancrées dans des entités géographiques distinctes mais interconnectées : « Méditerranéennes », « Sahariennes », « Sahéliennes », « Guinéennes », « Golfe du Bénin », « Éthiopiques », « Les Grands lacs », « Golfe du Cabinda & Bassin du Congo », « Australes », « Les Iles vanille », « Caribéennes », « Américaines ». Chacune de ces douze sections est précédée d’une brève introduction géographique et poétique de l’entité concernée. Dans les 129 poèmes de l’anthologie, le lecteur retrouve aussi bien les figures classiques (Laâbi, Senghor, Achebe, Soyinka, Labou Tansi) que les voix confirmées de la littérature africaine (Monénembo, Waberi, Tadjo, Mabanckou, Kongolo). Par ailleurs, le mérite de cette anthologie est non seulement de faire découvrir de nouveaux poètes ou de célébrer leur multilinguisme, mais aussi d’ouvrir l’espace africain au contact de la production poétique des îles de l’Océan Indien, des Caraïbes et de la diaspora afro-américaine. Une nouvelle occasion de réécouter les voix migrantes d’Aimé Césaire et Léon-Gontran Damas, de Guy Tirolien et Derek Walcott, de Phillis Wheatley et Langston Hughes. Cette anthologie se lit comme une invitation à saisir la richesse et la diversité irréductibles de la poésie africaine, et accepter de se laisser bercer par un concert de voix qui partagent, par-delà leurs différences, le même sens de la quête poétique.

Ce livre-objet très manipulable est composé de six cahiers serrés entre deux cartons gris épais, fixés par deux caoutchoucs noirs. Il a reçu pour sa conception originale l’un des grands prix « Grafika » de design du Québec. Le premier fascicule présente l’ensemble du projet Espaces de savoir et donne une biographie des six contributeurs. Les autres volumes sont consacrés au travail de chacun. La présentation de Suzanne Leblanc, professeur à l’École des arts visuels de l’Université de Laval (Québec) et responsable de l’équipe de recherche-création sur les stratégies artistiques de spatialisation du savoir est très précise. Il suffit de lire : « ces dispositifs et environnements pointent en direction d’une culture de l’intelligence, capable de générer un continuum entre les situations et le savoir… », et de conserver en mémoire « continuum entre les situations et le savoir » tout en parcourant les autres livres pour saisir immédiatement l’esprit de l’ensemble. Qu’il s’agisse de littérature, d’arts visuels, de design, de sciences de l’information, de sciences cognitives, d’architecture ou de sociologie des sciences.
On pourrait ajouter, ce qui donne une idée de la richesse de l’ensemble, qu’il a fallu aux intervenants, cinq universitaires et une écrivain, trois ans pour présenter leurs projets. Il est difficile de décrire chacun d’eux ici. On peut cependant retenir pour leur ampleur, les trois suivants : Bibliothèque pour environnement extrême, sous-titré prolégomènes à une expérience de pensée de S. Leblanc qui est particulièrement abouti et dont on notera parmi ses choix d’auteurs les grands phénoménologues non loin des pragmatiques ou, dans « jeux de langages », Wittgenstein. Necropolis sous-titrée La Mort de la Stilla d’Olivier Asselin, qui enseigne les arts médiatiques, et nous présente un jeu-vidéo en réalité augmentée, inspirée du Château des Carpathes de Jules Verne. Il semblerait cependant qu’il y ait un problème pour se connecter au site permettant cette réalité augmentée. Très passionnant enfin est le travail de Céline Poisson sur Arisbe, la maison du philosophe américain Charles S. Peirce ; il faut remercier au passage Jessica Charbonneau pour ses magnifiques photographies dont la dernière nous montre le verger de Northern Spies que possédait Peirce.
L’ensemble est passionnant et l’on sent parfois passer une très subtile pointe d’humour.

Écrire le Réel, dans l’espace anglophone contemporain, prend une signification dont aucun « Réalisme » hexagonal, fût-ce celui pictural d’un Thomas Lévy-Lasne, ne peut donner idée. Presqu’étouffé chez nous, quoique largement enraciné dans les œuvres de penseurs français incommensurables, le bruit incandescent qu’a répandu dans l’espace théorique anglophone transnational, de l’Écosse aux U.S.A, de la Kingston University de Londres à la Summer University d’Ohrid en passant par Athènes, Saint-Erme ou le Caire, une Pensée, vite nommée « Réalisme spéculatif »¹, n’en finit pas de résonner depuis 10 ans et d’alimenter la dynamique intellectuelle la plus vive qui se soit jamais dressée pour répondre, d’une part, de l’ontologie mathématique d’Alain Badiou à extension internationale, et d’autre part, du modèle quantique de pensée non-standard de François Laruelle à enracinement mystique. Revues innombrables, maisons d’éditions essentielles (Univocal, Urbanomic, Punctum Books…), Blogs proliférants², mais aussi Réseaux de recherche essaimant : plus une seule problématique politique ou artistique, du féminisme³ à la Postcolonisation⁴, de l’avenir écologique⁵ au néo-marxisme⁶, de la performance⁷ ou du Transhumanisme⁸ au néo-chamanisme et au renouveau de la sorcellerie⁹, qui ne soit perfusée par cette question du Réel, nom saturé de tous les fanatismes, comme de tous les fantasmes¹⁰, entité vide et immanente à soi, terme axiomatique d’une nouvelle configuration de pensée où la Continental Philosophy, celle de la vieille Europe, s’offre de fraîches noces avec l’outre-atlantique-Terre-Promise-du-nouveau-continent, qui ne soient plus celles déjà poussiéreuses qu’elle avait contractées en prolongement de la French Theory (Foucault, Deleuze, Derrida et leurs lendemains post-anarchistes).
Et l’on peut dire sans errance, sans frémissement, aussi inévitablement discutable que puisse être ce genre de sélection dans un paysage littéraire pulvérisé, que cette anthologie de poésie française contemporaine est exquisément à la hauteur d’une telle ampleur de renouveau dans l’époque – et dans la matrice – de notre pensée occidentale. Comme l’expliquent les éditrices, les échanges entre poésie française et poésie britannique depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale ont été relativement circonscrits, pour ne pas dénoncer trop fort leur pauvreté, contrairement aux liens esthétiques qui ont pu concrètement se tisser avec la poésie nord-américaine, que ce soit celle des Objectivistes, via l’Imagisme poundien, ou celle de la Beat Generation¹¹. On pourrait constater en ce sens qu’aucune anthologie d’envergure n’avait paru depuis celle de D. Kelley & J. Kalfa en 1996¹². Et un des mérites de Nina Parish et d’Emma Wagstaff est évidemment de redonner pour le lecteur anglo-saxon un contexte et une intelligence synthétique de l’extrême contemporain francophone, c’est-à-dire des structures thématiques, esthétiques et éditoriales des 20 dernières années de cette poésie qui a voulu dépasser les oppositions natives dont elle héritait, entre lyrisme et mécanique expérimentale, entre Présence et littéralité, entre neutralité objective et performance fictionnelle hors « Représentation ».
Mais plus loin qu’un repérage pour l’Outre-Manche de poètes déjà trop connus dans nos provinces et nos échoppes, ce choix d’auteurs, publié en bilingue, se trouve être pour le lecteur français non seulement un sondage que savourera délicieusement tout curieux de littérature, mais mieux encore un jalon instantané développant en 18 figures la carte d’une poésie à la pointe du réel, à sa percée, sous les formes et les protocoles les plus créatifs et divergents qui se puissent rassembler sous la bannière d’une intention qu’aucun certainement ne revendiquerait si fort de concert. On dira, pour faire taire immédiatement toute contestation oiseuse, que qui ne s’y retrouve pas peut se l’expliquer par son absence d’hypertentation à écrire le Réel ; n’est pas non plus Ponge ni Bonnefoy qui prétend. Mais il va sans dire que chacun trouvera, selon sa bibliothèque actuelle, qu’il manque l’un ou l’autre grand réaliste méconnu (Suel ? Baillieu ? Parant ? Favre ? Pennequin ?). Et la question même de ce que l’on s’autorise de nommer « Réel » ne trouvera guère de réponse assurée de sa substance à la lecture de ce bouquet de ronces chargé des mûres les plus juteuses en tanins, si ce n’est que le Réel est une inadéquation qui ne revient pas à elle-même, qui ne revient pas au même – une inadéquation dont on ne revient pas.
C’est qu’il faut considérer, devant cette anthologie, qu’avant d’être une sélection représentative de quoi que ce soit, où devrait figurer ou s’apercevoir ce que l’on croirait savoir du contemporain poétique, elle est bien plus puissamment le fait d’un travail collectif et d’une rencontre intensifiée entre des auteurs lisibles en français et d’autres poètes qui en ont affronté les hardiesses linguistiques et stylistiques pour les rendre accessibles dans leur propre idiome. Qu’on pense aux journées d’Inter-translation organisées en 2011 par Tamaas¹³, dont certaines traductions sont ici reprises, ou bien à l’ensemble des activités coordonnées par les éditrices entre les universités de Bath et de Birmingham depuis 2013¹⁴ : ce dont s’enorgueillit avant tout le projet, c’est d’avoir rassemblé des auteurs de pointe, des « auteurs clefs » du contemporain, dans un espace de co-working qui transvalue leurs œuvres au même moment qu’il les transpose dans une langue voisine qui est poétique à sa sorte. Ainsi affleure souvent, au gré de la découverte des textes, que le travail de traduction devient plus spécifiquement, comme Ryoko Seikigushi a pu le théoriser dans le processus de transposition vers le français de ses propres textes initialement composés dans la langue de Mishima, un travail de réécriture et de recréation que la présentation bilingue de l’anthologie rend particulièrement perceptible¹⁵.
Nous sommes en effet davantage coutumiers de lire en bilingue des auteurs étrangers traduits vers le français. Comment a-t-on pu traduire ceci ? est ici une question qui s’enveloppe d’une tout autre acuité tant on est familier des effets de mystères et des chausse-trappes qui hantent le texte source. Et nos convictions littéralistes vacillent alors tout autant que nos certitudes idiomatiques devant les perplexités dont soudain nous gratifient tel vers, telle tournure, telle locution transposés. C’est que les noms des traducteurs, qui sont autant de poètes de l’autre côté de la langue, ou – équivoquement – de la Manche, sont aussi précieux à noter semble-t-il, que les noms francophones, et de rêver bientôt à un travail inverse, publié en France, qui nous ferait découvrir les constellations insoupçonnées d’œuvres qui scintillent non loin de celles de Keston Sutherland ou de Joshua Clover.
Le seul à trôner sous les deux attributs est Jérôme Game, qui s’avance à traduire Christian Prigent alors qu’il est traduit par Barbara Beck, poétesse américaine besognant à Paris. Non loin suivent Nathalie Quintane, Pierre Alferi, Anne Portugal, Christophe Tarkos pour compléter un notable contingent du catalogue P.O.L, mais loin s’en faut qu’ait été ignorée la variété de l’édition d’avant-garde : ce sont 11 éditeurs de toutes envergures qui émargent à cette sélection, Tarabuste pour Michèle Métail, Le Mercure de France pour Jean-Michel Maulpoix, L’Attente pour Jérôme Game, Al Dante pour Anne-James Chaton et pour Oscarine Bosquet qui arbore également les couleurs du Bleu du ciel, Le Seuil pour Jean-Marie Gleize, L’Arrière-pays pour Béatrice Bonhomme, Champ Vallon pour Stéphane Bouquet, Flammarion pour Philippe Beck, Sandra Moussempès ou Jean-Michel Espitallier, et Le Temps qu’il fait pour Gilles Ortlieb.
Bien sûr, comme il est également très actuel dans l’univers anglophone, qui semble n’avoir pas baigné à travers les siècles au cœur des gestes de la courtoisie ni à l’école des Salons Littéraires aussi intensément que s’y façonna la galanterie de notre culture gauloise, on s’enorgueillit spécifiquement du comptage paritaire entre signatures femelles et signatures mâles, en déplorant le peu d’intérêt revendicatif dont témoignerait à cet égard la gente lettrée hexagonale, qui d’ailleurs ne manque pourtant pas de poétiques trans- ou dé-genrée¹⁶. C’est qu’il est certainement plus facile de saisir, à l’aune des réalités temporaires par lesquelles transitent les préoccupations psycho-sociologiques de notre actualité juridique ou médiatique, les teneurs en Réalisme de notre contingent poétique, que d’embrasser le Réel poétique en son infigurable pratique et au foyer productif de ses émergences et de ses naissances. Peut-être n’est-ce d’ailleurs pas ce qu’on doit attendre d’une anthologie, fût-elle à ce point vivante et chatoyante ; ses ambitions ne sont pas de théoriser ni ce réel ni ce poétique qui prennent leur saisie même de vitesse, et déjouent justement de circonscrire jamais leur science ou leur art d’inventer. Ce qu’elle parvient à rassembler au-delà du simple glanage de quelques pages éparpillées d’oripeaux contemporains, c’est un réseau de regards, de considérations et d’affects, un réseau d’investissements partagés, qui a offert en valeur et en méticuleux travail aux auteurs de notre champ ce qu’elle mérite maintenant entièrement que nous, lecteurs, lui accordions : de l’attention.

D’abord un projet. Traverser une frontière. Construire un territoire. Commun. Entre habitants, des dizaines, et artistes, Frédérique Guetat-Liviani, Sarah Kéryna, Liliane Giraudon pour aboutir au livre, une chorégraphe et une metteur en scène pour un espace autre. Choisir la poésie comme espace de rencontres. À Avignon. Écritures croisées, posées, retravaillées. Tous ensemble. Une même question : comment vivre ? Un livre, les trois poétesses et quelques pages de Julien Blaine pour le commencer, des pages qui disent ces trois femmes et les frontières et les murs. « Ils & Elles sont là désormais, en famille, venus de tous les horizons, ils parlent toutes les langues, souvent plusieurs par une seule bouche. » Dans le livre, les trois poétesses ont retranscrit la parole. Les paroles. Elles les ont agencées à leur manière. Elles les ont reconstruites. De la parole de tous, chacune a fait un grand espace. SK un oratorio en trois parties, la rue, la maison, la famille. « J’ai eu une rupture difficile. / De femme au foyer dévalorisée, je suis devenue quelqu’un. » « J’ai les yeux verts et les gens croient que je suis kabyle / je suis pas kabyle. » FGL des textes à respirations, des textes hachés, comme si la parole peinait à se libérer, comme si les personnes qui racontent / confient délivraient le cours de leur pensée petit à petit, à petits coups. « au bout d’un an   ma grand-mère     elle a téléphoné     elle a dit     on est là     alors on est allés     chercher     mon grand-père et ma grand-mère ». LG avec 26 personnes, 26 lettres de l’alphabet et une voix-off, fabrique une scène, une « short pièce ». « Q Il est né à Berlin mais c’est un marocain...V Mais alors on peut dire ce qu’on veut ? Naître quelque part c’est important de le dire ? » Ce qui est écrit, comme des traces de vies délivrées en toute confiance, en complicité. Des intimités dévoilées, des blessures longtemps tues ici avouées, des joies partagées, des questions, des étonnements, la vie. Des vies.

Nantes, Musée des Arts, 25 juillet 2017

 « Oh, it’s such a perfect day
I’m glad I spent it with you »

Lou Reed : Perfect day

https://www.sitaudis.fr/Parutions/performances-poetiques-de-jerome-cabot.php

« Gaëlle Théval » (p. 6) ; « Gaëlle Théval » (ibid.) ; « Gaëlle Théval » (p. 8) ; « Gaëlle Théval » (p. 13) ; « Gaëlle Théval » (p. 18) ; « Gaëlle Théval » (p. 41) ; « Gaëlle Théval » (p. 55) ; « Gaëlle Théval » (p. 56) ; « Théval » (p. 58) ; « Théval » (p. 60) ; « Gaëlle Théval » (p. 244) ; « Théval Gaëlle » (p. 256) ; « Théval Gaëlle » (ibid.) ; « Théval Gaëlle » (ibid.) ; « Gaëlle Théval » (p. 259) ; « Gaëlle Théval » (p. 266).

De ce volume collectif inégal – catalogue richement illustré d’une exposition qui a présenté pour la première fois extensivement, à l’occasion des 100 ans de Dada, le fonds Raoul Hausmann conservé par le musée départemental d’art contemporain de Rochechouart, dans le Limousin, région où l’artiste, « Président du Soleil, de la Lune et de la petite Terre (face interne), Dadasophe, Dadaraoul, directeur du cirque Dada »¹, a vécu de 1939 à sa mort, en 1971 – je retiendrai deux photographies (p. 6-7), prises par Reinfried Horn en 1968, où le poète à 82 ans joue avec un tube à dessins, montrant alors, dans son appartement, par son corps, au-delà de l’anecdote, devant certaines de ses œuvres, que l’âge ne détermine pas nécessairement l’esprit² ; et trois articles spécifiquement consacrés à sa poésie : le premier³ souligne des facteurs biographiques qui auraient décidé de sa vocation poétique, ainsi, d’une chanson folklorique que son père lui chantait, il aurait repris la répétition sérielle et la primauté du rire, et du nom d’un village tchèque, dont le toponyme se traduit par « chant du chardonneret », sa poésie phonétique, et insiste également sur la volonté d’Hausmann de « nous faire entendre par nos yeux et voir par nos oreilles »⁴, de développer une sensorialité exentrique⁵ qui irait au-delà des limites humaines ; le deuxième⁶ retrace les collaborations qu’il entreprend depuis son exil avec Kurt Schwitters, établi en Angleterre, ils rédigent ensemble, à distance, PIN⁷, un opuscule réunissant les poèmes et les collages issus de leurs échanges, et avec Iliazd qui vit à Paris, à la fameuse anthologie⁸ duquel il participe, et montre à nouveau, si besoin était, le ridicule de certains, ici les lettristes, antidatant leurs œuvres et révisant les données historiques, prêts à tout pour passer à la postérité ; le troisième⁹ relate la rencontre de l’artiste dadaïste avec le poète sonore Henri Chopin et met l’accent sur ses qualités d’éternel chercheur, hors de toute assignation identitaire.

« Une histoire de mon histoire », tel est l’incipit d’un entretien qu’Henri Deluy accorda lors d’un séjour à Montréal en 2013 à Julien Lefort-Favreau et Saskia Deluy, peu de temps après la parution du dernier numéro d’Action Poétique (n° 207-210) en 2012, au terme de plus de soixante ans d’un parcours revuiste quasiment unique dans le paysage poétique contemporain. Le lecteur retrouvera là, certes formulé souvent avec de nouvelles nuances, le long récit qu’Henri Deluy aima offrir à plusieurs reprises de cette aventure en poèmes et traductions, depuis le n° 79 de septembre 1979 (25^e anniversaire de la revue) jusqu’à l’ouvrage de Pascal Boulanger, Une Action poétique de 1950 à aujourd’hui publié chez Flammarion en 1997. Le propos ici se fait plus précis, plus tranchant parfois dans l’évaluation de certaines postures, lucide et proche du repentir lorsque la politique et l’histoire frappent à la porte des souvenirs, mais jamais complaisant ou poli par omissions ou silences complices. Vertu d’une longue vie, en retour réflexif sur elle-même, sans souligner, et rien n’est plus légitime, une certaine satisfaction après-coup d’avoir su tenir pendant tant d’années les conditions d’existence d’une revue qui vit passer en son comité, et plus encore dans ses milliers de pages, certaines des voix les plus marquantes de la seconde moitié poétique et artistique du siècle passé.

Suivent trois textes d’un grand intérêt et de formes différentes. Une étude d’une grande précision portant sur les livres qu’Henri Deluy publie au tournant du siècle, par Anne-Renée Caillé (Là où le passé peut nous mener), une réflexion d’Henri Deluy lui-même sur son rapport à la traduction (« On ne traduit pas des émotions ou des jeux de mots, des sentiments ou des idées, du sens ou des sonorités, on traduit une forme, qui inclut cet ensemble sans lequel la langue et le langage n’existeraient pas »), et un texte de Liliane Giraudon, sous la forme d’une succession de questions, celles que l’on garde en soi jusqu’à les poser dans l’urgence du temps et de l’amour, en forme de portrait du poète et de l’homme.

Sans oublier qu’« Action poétique [fut] la seule revue culturelle au monde qui ait publié dans chaque numéro une recette de cuisine », on se penchera alors, et c’est peut-être là pour beaucoup de lecteurs qui privilégieront les poèmes et les traductions l’importance d’un tel ensemble – ce qu’HD ne nierait pas –, sur un choix de poèmes et de textes publiés parmi les 210 numéros de la revue, d’auteurs vivants, morts, traduits ou de langue française, parmi lesquels on rencontrera à la fois Akhmatova, Lopes, Neruda, Stein, Pasolini, Barret, Broda, Perec, Tortel, Giraudon, Mandelstam, Faye, Dupin, Lucebert, Azam, Weinzaepflen ou Elisabeth Roudinesco dont l’adresse à Henri Deluy témoigne à la fois d’une admiration discrète et d’une nostalgie sensible, « celle de la jeunesse et de l’initiation à l’écriture ».

Michel Butor. L’univers géopoétique rend compte de deux projets organisés en présence de l’auteur : Entre art et littérature, le paysage véritable de Michel Butor (Université de Rimini, novembre 2012) & L’Opera Giardino (Villa Reale, Milan, mai 2016). Isabella Bordoni, en ouverture, reconnaît en Butor « un prodige », « pris entre génie du lieu et génie du temps » qui laisse en héritage le fruit d’un parcours planétaire, « pont entre le poétique et le politique ». Elle le qualifie de « militant du franchissement » qui ne laisse pas place au narcissisme et « s’évade de sa propre légende. » Sa pensée géographique et arborescente s’écrit de manière topographique. Communications, dialogues et propos de Butor lui-même, en patchwork thématique, entrouvrent le labyrinthe textuel à l’auditoire d’étudiants et d’enseignants.
Mireille Calle-Gruber, directrice de la publication des Œuvres complètes, considère que Butor à travers ses récits stéréoscopiques de voyage, établit « une cartographie des altérités. […] Butor ne prend pas. Il ne conquiert pas. N’occupe pas. Ne colonise pas. Il reçoit. Il se laisse recevoir. Il se fait réceptacle. » Démarche philanthropique, dit-elle, non réductible à l’humanisme. En périmant la culture du roman avec Mobile, texte mosaïque, l’écrivain nomade s’ouvre à tous les potentiels de la poésie, à commencer par l’art du collage hérité des surréalistes. Les cinq livres du Génie du lieu sont des récits autobiographiques habités par le voyage. Ils englobent à la fois étude géographique, critique littéraire, réflexion ethnographique et forme romanesque. Ouverts aux cinq continents, ils sont aussi porteurs de « l’engendrement des œuvres par les œuvres ».
Faisant très tôt scandale malgré lui (Mobile), Butor évoque le prix à payer la liberté d’avoir perturbé les codes et les idées. C’est tardivement qu’on le reconnaît comme poète après une longue méfiance de ses pairs. Paolo Fabbri commente le passage de l’écrivain célèbre à l’artiste à propos de Boomerang : « Avec Butor, le réel transcende le roman. » Il interroge l’auteur sur son concept de « critique littéraire de l’espace » et sur son affirmation qu’il existe « un inconscient des lieux ». Il le décrit encore comme « le braconnier aux terrains de chasse variés », pratiquant en « transducteur » l’écriture multimodale. Butor lui répond qu’il mêle volontiers « la littérature grise » (des informations et circulaires administratives) à la « littérature en couleur » des écrivains.
Butor apporte, entre autres réflexions sur lui-même, le témoignage de l’écrivain vieillissant qui redécouvre son enfance : « l’enfant qu’on était va renaître et nous dire des choses que nous ne savions plus. » Et il découvre enfin de la vieillesse ce qu’il ne savait pas encore… Il s’identifie à la fois au Minotaure, le prédateur, à Dédale, le constructeur, et à Icare, l’aventurier du rêve. Question fondatrice : comment parcourir le labyrinthe textuel et transformer le monde par le langage ? Il s’est rêvé peintre et musicien, c’est pourquoi, en écrivant, il veut compenser le manque : « faire voir des choses et faire entendre des choses ». Son ambition : créer une œuvre d’art totale.
La multiplication des langues depuis le mythe de Babel n’est pas un malheur pour Butor mais une chance extraordinaire. Les mots changent continuellement. Seuls les régimes dictatoriaux ont la volonté de fixer le langage, de l’empêcher d’évoluer. Enfin, il rend hommage aux traducteurs qui sont les meilleurs lecteurs des écrivains. Diversité féconde des langues !
Butor, polygraphe itinérant, s’est exprimé en libre défenseur du français, pour « mettre le monde au monde », selon le mot de Mireille Calle-Gruber. Cet ouvrage est un bel hommage à l’écrivain récemment disparu.

Pour Jean-Marie Gleize

Un certain réalisme, un certain objectivisme poétique (je pourrais dire aussi prosaïsme, ou proséïsme, puisque s’y implique le choix de la prose, et d’une prose en prose, ou encore littéralisme proséïque, ou « réelisme » incluant toutes ces dimensions) consiste à trouver ou retrouver une figue, c’est-à-dire à renouer avec le corps et le monde, puis à la porter à sa bouche, à la parler-figurer en tentant de ne pas la dénaturer.

fonder une poétique du réel, une poétique objective, une physique de la poésie. Toute la question serait donc d’une re-conversion du regard, d’une refiguration du monde, d’un retour au monde, au sol – refiguration dont la figue est précisément l’occasion, la figure et l’instrument.

De fait, donc, pour résumer, dire que la poésie est déploiement du désir de connaître, qu’elle est connaissance, acte de connaissance, et que cet acte est par définition subversif-transgressif. Et que de surcroît cette connaissance ne peut être séparée d’une relation sensuelle-sensible au sensible, connaissance physique, amoureuse, du réel, contact. La poésie est restitution du réel au corps, restitution de son corps au sujet, naissance ou re-naissance au monde, co-naissance du sujet et du réel etc.

un réel infigurable
La littérature serait dedans et moi dehors

De par ses talents polymorphes et sa longévité, Cocteau rend ardue toute reconnaissance critique nécessairement menacée par la lacune. Réalisant un bel équilibre entre les différentes facettes de l’homme d’écriture et de l’artiste, le coordinateur de cette ample livraison a tenu le pari. À ce point que dans l’espace imparti le commentateur peine à décrire de façon exhaustive pareil ensemble. Poète, homme du monde, intercesseur, cinéaste, dessinateur, écrivain, homme de théâtre, voyageur, on en oublie, autant de versants qui donnent une petite idée de la complexité de l’organisation du matériau d’un homme « singulier et pluriel » (Linarès).
Une iconographie riche, parfois rare, du dessinateur accompagne les contributions.
Jean-Michel Maulpoix formule une évidence bonne à rappeler : le poète demeure aujourd’hui encore méconnu. David Gullentops explore de façon circonstanciée cet aspect et propose avec certain brio un choix de poèmes inédits et propose Secrets de beauté, des notes sur la poésie.
Des textes de Roger Martin du Gard, Marcel Proust (trois lettres) et de François Mauriac permettent d’en reconstituer les débuts littéraires et la réception de l’œuvre. Les relations avec Colette sont également décrites (Guy Ducrey), et les protagonistes. Un autre ensemble fait le point sur les relations avec Raymond Radiguet et notamment les annotations du premier manuscrit du Diable au corps par Cocteau (extraits).
Des textes, entre autres, de Marcel Jouhandeau, Emmanuel Berl, W.H. Auden, Christian Dotremont, Antoine Blondin, André Breton, Louis Aragon permettent de comprendre le rôle joué par notre inclassable dans la société littéraire du temps, en France comme hors des frontières. Signalons à cet égard, le très beau texte d’Alberto Savinio.
Bénédicte Gorrillot explore les « héritages et filiations » qu’Alberto Savinio assigne, pour sa part, à l’orphisme. Michel Collomb et Sylvain Ledda se penchent respectivement sur l’influence de la culture allemande (Goethe, Nietzsche) et de Musset sur notre homme. Frank Lestringant rappelle le conflit qui opposa Gide à Cocteau.
Parmi les inédits citons : La croisière aux émeraudes, une Lettre pour la commutation de peine de R. Brasillach et des textes sur le cinéma.